Foto: Courtesy Naturhistorisches Museum

De ur byldhoukeunst fan 'e keunstskiednis, dit lytse byldsje fan krekt mear as fjouwer sintimeter yn 'e hichte waard ûntdutsen yn Eastenryk yn 1908. Nimmen wit hokker funksje it tsjinne, mar rieden hat farieare fan fruchtberensgoadinne oant masturbaasjehelp. Guon gelearden suggerearje dat it mooglik in selsportret west hat makke troch in frou. It is it bekendste fan in protte fan sokke objekten út de Alde Stientiid.

Foto: Courtesy CC/Wiki Media/Philip Pikart

Dit portret is in symboal fan froulike skientme west sûnt it foar it earst ûntdutsen waard yn 1912 binnen de ruïnes fan Amarna, de haadstêd boud troch de meast kontroversjele Farao fan 'e âlde Egyptyske skiednis: Akhenaten. It libben fan syn keninginne, Nefertiti, is wat fan mystearje: It wurdt tocht dat se nei de dea fan Achnaton in skoft regearre as Farao - of wierskynliker, as de ko-regint fan 'e jonge kening Toetanchamon. Guon Egyptolooch leauwe dat se eins de mem fan Tut wie. Dizze mei stucco bedekte kalkstiennen boarstbyld is nei alle gedachten it hânwurk fan Thutmose, Achnaton syn hofbyldhouwer.

Foto: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

It Terracotta Army, ûntdutsen yn 1974, is in enoarme cache fan klaaibylden begroeven yn trije massive kûlen by it grêf fan Shi Huang, de earste keizer fan Sina, dy't stoar yn 210 f.Kr. Bedoeld om him te beskermjen yn it neilibjen, wurdt it leger leaud troch guon skattingen mear dan 8.000 soldaten te tellen tegearre mei 670 hynders en 130 weinen. Elk is libbensgrutte, hoewol de werklike hichte ferskilt neffens militêre rang.

Foto: Courtesy CC/Wiki Media/LivioAndronico

Miskien wol it bekendste byld fan de Romeinske Aldheid,Laocoön en syn soannenwaard oarspronklik ûntdutsen yn Rome yn 1506 en ferhuze nei it Fatikaan, dêr't it oant hjoed de dei wennet. It is basearre op 'e myte fan in Trojaanske pryster dy't tegearre mei syn soannen fermoarde is troch seeslangen dy't troch de seegod Poseidon stjoerd binne as ferjilding foar Laocoön's besykjen om de list fan it Trojaanske Hynder oan it ljocht te bringen. Oarspronklik ynstallearre yn it paleis fan keizer Titus, dizze libbensgrutte figuerlike groepearring, taskreaun oan in trio fan Grykske byldhouwers fan it eilân Rhodos, is ongeëvenaard as in stúdzje fan minsklik lijen.

Foto: Courtesy CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Ien fan 'e meast byldbepalende wurken yn' e hiele keunstskiednis, Michelangelo's David hie syn oarsprong yn in grutter projekt om de stipen fan 'e grutte katedraal fan Florence, de Duomo, te fersieren mei in groep figueren út it Alde Testamint. DeDavidwie ien, en waard eins begûn yn 1464 troch Agostino di Duccio. Yn 'e folgjende twa jier wist Agostino in diel fan 'e enoarme blok moarmer út 'e ferneamde groeve yn Carrara te rûchjen foardat hy yn 1466 stopte. wurke der koart oan. It moarmer bleau de folgjende 25 jier ûnoantaaste, oant Michelangelo it wer begûn te snijen yn 1501. Hy wie doe 26. Doe't it klear wie, woe de David seis ton, wat betsjutte dat it net op it dak fan 'e katedraal hied wurde koe. Ynstee waard it krekt bûten de yngong fan it Palazzo Vecchio, it stedhûs fan Florence, te sjen. De figuer, ien fan 'e suverste destillaasjes fan 'e Heechrenêssânsestyl, waard fuortendaliks troch it Florentynske publyk omearme as in symboal fan it eigen ferset fan 'e stêdsteat tsjin 'e machten dy't der tsjin opstelde. Yn 1873 waard deDavidwaard ferhuze nei Accademia Gallery, en in replika waard ynstallearre yn syn oarspronklike lokaasje.

Foto: Courtesy CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Gian Lorenzo Bernini, erkend as in oarsprong fan 'e hege Romeinske barokstyl, makke dit masterstik foar in kapel yn' e tsjerke fan Santa Maria della Vittoria. De barok wie ûnskiedber ferbûn mei de Konterreformaasje dêr't de Katolike Tsjerke troch besocht it tij fan it protestantisme dat oer it 17e-ieuske Jeropa gie, te kearen. Keunstwurken lykas dat fan Bernini makken diel út fan it programma om it pauslike dogma opnij te befêstigjen, hjir goed tsjinne troch Bernini's sjeny foar it ynbringen fan religieuze sênes mei dramatyske narrativen.Ekstasyis in gefal yn punt: It ûnderwerp - hillige Teresa fan Ávila, in Spaanske karmelityske non en mystikus dy't skreau oer har moeting mei in ingel - wurdt ôfbylde krekt as de ingel op it punt is om in pylk yn har hert te dûken.EkstasyDe eroatyske toanen binne ûnmiskenber, it meast fanselssprekkend yn 'e orgasmyske ekspresje fan 'e non en de wriemeljende stof dy't beide figueren omslacht. Bernini, as arsjitekt as keunstner, ûntwurp ek de setting fan de kapel yn moarmer, stucco en ferve.

Foto: Courtesy The Metropolitan Museum of Art / Fletcher Fund

De Italjaanske keunstner Antonio Canova (1757-1822) wurdt beskôge as de grutste byldhouwer fan de 18e iuw. Syn wurk befette de neo-klassike styl, lykas jo kinne sjen yn syn fertolking yn moarmer fan 'e Grykske mytyske held Perseus. Canova makke eins twa ferzjes fan it stik: Ien wennet yn it Fatikaan yn Rome, wylst de oare stiet yn it Metropolitan Museum of Art's European Sculpture Court.

Foto: Metropolitan Museum of Art

Wylst ympresjonistyske master Edgar Degas benammen bekend is as skilder, wurke hy ek yn byldhouwen, en produsearre wat nei alle gedachten de meast radikale ynspanning fan syn oeuvre wie. Degas fashionedDe lytse fjirtjinjierrige dûnseresút waaks (dêr't nei syn dea yn 1917 letter brûnzen kopyen fan getten waarden), mar it feit dat Degas syn lykneamde ûnderwerp klaaide yn in eigentlik balletkostúm (kompleet mei liif, tutu en slippers) en pruik fan echt hier feroarsake in sensaasje doe'tDûnserdebutearre op de sechde ympresjonistyske tentoanstelling fan 1881 yn Parys. Degas keas om de measte fan syn fersieringen yn waaks te dekken om oerien te kommen mei de rest fan 'e famkesfunksjes, mar hy hâldde de tutu, en ek in lint dy't har hier bûn, lykas se wiene, wêrtroch't de figuer ien fan 'e earste foarbylden makke fan fûn-objekt keunst.Dûnserwie it ienige byld dat Degas yn syn libben útstalde; nei syn dea waarden noch sa'n 156 oare foarbylden fûn yn syn atelier.

Foto: Courtesy Philadelphia Museum of Art

Wylst de measte minsken assosjearje de grutte Frânske byldhouwer Auguste Rodin meiDe tinker, dit ensemble dat in ynsidint yn 'e Hûndertjierrige Oarloch (1337-1453) tusken Brittanje en Frankryk betinkt, is wichtiger foar de skiednis fan 'e byldhoukeunst. Opdracht foar in park yn 'e stêd Calais (wêr't in jier lang belegering troch de Ingelsen yn 1346 waard opheft doe't seis stedsâldsten harsels foar terjochtstelling oanbean yn ruil foar it sparjen fan 'e befolking),De Burgerseschewed it formaat typysk foar monuminten op 'e tiid: Yn stee fan sifers isolearre of steapele yn in piramide boppe op in hege sokkel, Rodin gearstald syn libbensgrutte ûnderwerpen direkt op 'e grûn, nivo mei de sjogger. Dizze radikale beweging nei realisme bruts mei de heroyske behanneling dy't meastentiids sokke bûtenwurken takend wurde. MeiDe Burgers, Rodin naam ien fan 'e earste stappen nei moderne byldhoukeunst.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Wally Gobetz

Yn 1912 makke Picasso in kartonnen maquette fan in stik dat in grutte ynfloed hawwe soe op keunst fan 'e 20e ieu. Ek yn 'e kolleksje fan MoMA skildere it in gitaar, in ûnderwerp dat Picasso faak ûndersocht yn skilderjen en collage, en yn in protte opsichten,Gitaaroerdroegen collage's knip- en plaktechniken fan twa diminsjes nei trije. It die itselde foar kubisme, ek, troch platte foarmen te sammeljen om in mearsidige foarm te meitsjen mei sawol djipte as folume. Picasso's ynnovaasje wie om it konvinsjonele snijwurk en modellerjen fan in skulptuer út in fêste massa te foarkommen. Ynstee,Gitaarwaard fêstmakke as in struktuer. Dit idee soe reverberearje fan Russyske konstruktivisme oant minimalisme en fierder. Twa jier nei it meitsjen fan deGitaaryn karton makke Picasso dizze ferzje yn snipped tin

Foto: Metropolitan Museum of Art

Fan syn radikale begjin oant syn lêste fascistyske ynkarnaasje skokte Italjaanske futurisme de wrâld, mar gjin inkeld wurk yllustrearre it skerpe delirium fan 'e beweging dan dizze skulptuer troch ien fan har liedende ljochten: Umberto Boccioni. Begjin as skilder, gie Boccioni oer nei it wurkjen yn trije diminsjes nei in reis yn 1913 nei Parys, wêryn't hy de ateliers fan ferskate avant-garde byldhouwers fan 'e perioade rûn, lykas Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon en Alexander Archipenko. Boccioni synthesized harren ideeën yn dit dynamyske masterstik, dat ôfbyldet in striding figuer set yn in "syntetyske kontinuïteit" fan beweging as Boccioni beskreau it. It stik waard oarspronklik makke yn gips en waard net getten yn syn bekende brûnzen ferzje oant 1931, goed nei de dea fan 'e keunstner yn 1916 as lid fan in Italjaansk artilleryrezjimint yn 'e Earste Wrâldoarloch.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Berne yn Roemeenje, wie Brancusi ien fan 'e wichtichste byldhouwers fan' e iere 20e ieu modernisme - en yndie, ien fan 'e wichtichste figueren yn' e hiele skiednis fan byldhoukeunst. In soarte fan proto-minimalist, Brancusi naam foarmen út de natuer en streamline se yn abstrakte foarstellings. Syn styl waard beynfloede troch de folkskeunst fan syn heitelân, dy't faaks libbene geometryske patroanen en stilisearre motiven befette. Hy makke ek gjin ûnderskied tusken objekt en basis, en behannele se, yn bepaalde gefallen, as útwikselbere komponinten - in oanpak dy't in krúsjale brek mei byldhouwurktradysjes fertsjintwurdige. Dit byldbepalende stik is in portret fan syn model en leafhawwer, Margit Pogány, in Hongaarske keunststudint dy't hy moete yn Parys yn 1910. De earste iteraasje waard útsnien yn moarmer, folge troch in gipskopy wêrfan dit brûns makke is. It gips sels waard yn New York útstald op 'e legindaryske Armory Show fan 1913, wêr't kritisy it bespotten en bespotten. Mar it wie ek it meast reprodusearre stik yn 'e foarstelling. Brancusi wurke oan ferskate ferzjes fanMlle Poganyfoar sa'n 20 jier.

Foto: Courtesy The Museum of Modern Art

Fytswielwurdt beskôge as de earste fan Duchamp's revolúsjonêre readymades. Doe't er it stik lykwols yn syn atelier yn Parys ôfmakke, hie er eins gjin idee hoe't er it neame moast. "Ik hie it lokkige idee om in fytsrad oan in keukenkruk te befestigjen en te sjen hoe't it draaide," soe Duchamp letter sizze. It duorre in 1915 reis nei New York, en bleatstelling oan 'e grutte útfier fan' e stêd fan fabryk boud guod, foar Duchamp om te kommen mei de readymade term. Sterker noch, hy begon te sjen dat it meitsjen fan keunst op 'e tradisjonele, mei de hân makke manier yn 'e Yndustriële Tiid nutteloos like. Wêrom lestich falle, stelde hy, doe't breed beskikbere produsearre items it wurk koene dwaan. Foar Duchamp wie it idee efter it keunstwurk wichtiger dan hoe't it makke waard. Dit begryp - miskien it earste echte foarbyld fan konseptuele keunst - soe de keunstskiednis yn 'e takomst folslein transformearje. In protte as in gewoane húshâlding foarwerp, lykwols, it orizjineelFytswielnet oerlibbe: Dizze ferzje is eins in replika út 1951.

Foto: Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York

In leafste fixture fan 'e permaninte kolleksje fan it Whitney Museum,Calder's Circusdistillearret de boartlike essinsje dy't Alexander Calder (1898-1976) yn 'e kunde brocht as keunstner dy't holp by it foarmjen fan de 20e-skulptuer.Sirkus, dy't ûntstien is yn 'e tiid fan 'e keunstner yn Parys, wie minder abstrakt as syn hingjende "mobylen", mar op syn eigen manier wie it like kinetysk: benammen makke fan draad en hout,Sirkustsjinne as middelpunt foar ymprovisaasjefoarstellingen, wêryn Calder ferhuze om ferskate figueren dy't contortionists, swurd swallowers, liuwe temmers, ensfh, lykas godlike ringmaster.

Foto: Courtesy The J. Paul Getty Museum

As skilder en tapestryûntwerper en ek as byldhouwer koe de Frânske keunstner Aristide Maillol (1861-1944) it bêste omskreaun wurde as in moderne neo-klassisist dy't in streamline, 20e-ieuske spin sette op tradisjonele Gryksk-Romeinske bylden. Hy koe ek omskreaun wurde as in radikale konservatyf, al moat men betinke dat sels avant-garde tiidgenoaten lykas Picasso wurken produsearren yn in bewurking fan neo-klassike styl nei de Earste Wrâldkriich. Maillol syn ûnderwerp wie it froulik bleat, en ynL'Air, hy hat in kontrast makke tusken de materiële massa fan syn ûnderwerp, en de manier wêrop se yn 'e romte liket te driuwen - as it wie, balansearjende obdurate fysikeheid mei evanescente oanwêzigens.

Foto: Courtesy CC/Flickr/C-Monster

In Japanske keunstner dy't wurket yn meardere mediums, Kusama kaam nei New York yn 1957 werom nei Japan yn 1972. Yn 'e tuskentiid fêstige se harsels as in wichtige figuer fan' e binnenstêd, ien waans keunst rekke in protte bases, ynklusyf Pop Art, Minimalisme en Performance Art. As froulike keunstner dy't faaks ferwiisde nei froulike seksualiteit, wie se ek in foarrinner fan Feministyske Keunst. Kusama's wurk wurdt faak karakterisearre troch hallusinogene patroanen en werhellingen fan foarmen, in neiging dy't woartele is yn bepaalde psychologyske omstannichheden - hallusinaasjes, OCD - se hat sûnt bernetiid te lijen. Al dizze aspekten fan Kusuma's keunst en libben wurde reflektearre yn dit wurk, wêryn in gewoane, beklaaide maklike stoel unnervingly ûndergien wurdt troch in pestachtige útbraak fan fallyske protuberânsjes makke fan genaaid stuffed stof.

Foto: Whitney Museum of American Art, New York, © 2019 Estate of Marisol/ Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), New York

Bekend gewoan troch har foarnamme, Marisol Escobar (1930-2016) waard berne yn Parys oan Fenezuëlaanske âlden. As keunstner waard se ferbûn mei Pop Art en letter Op Art, hoewol stilistysk hearde se net ta beide groepen. Ynstee makke se figurative tableaux dy't bedoeld wiene as feministyske satires fan geslachtrollen, ferneamdheid en rykdom. YnFroulju en hûnse nimt de objektivearring fan froulju oan, en de wize wêrop't manlik opleine noarmen fan froulikens brûkt wurde om har te twingen om te konformearjen.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Rocor

De Brillo Box is faaks de bekendste fan in searje byldhouwurken dy't Warhol yn 'e midden fan' e jierren '60 makke, dy't syn ûndersyk nei popkultuer effektyf yn trije diminsjes naam. Trouwens oan de namme dy't Warhol syn atelier - de Fabriek - jûn hie, hierde de keunstner timmerlju oan om in soarte fan assemblageline te wurkjen, houten doazen yn 'e foarm fan kartonnen oaninoar te spikeren foar ferskate produkten, wêrûnder Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes en Campbell's Soup, lykas well Brillo soap pads. Hy skildere dan elke doaze in kleur dy't oerienkomt mei it orizjineel (wyt yn it gefal fan Brillo) foardat hy de produktnamme en it logo tafoege yn silkscreen. Makke yn multiples, de doazen waarden faak toand yn grutte stapels, effektyf draaie hokker galery se wienen yn in hege-kulturele faksimilee fan in pakhús. Harren foarm en serial produksje wie faaks in knypeach nei - of parody op - de doe-oankommende minimalistyske styl. Mar it echte punt fanBrillo Boxis hoe't syn nauwe oanpassing oan it echte ding artistike konvinsjes ûndermyt, troch te ymplisearjen dat d'r gjin echt ferskil is tusken produsearre guod en wurk út it atelier fan in keunstner.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Esther Westerveld

De namme fan Donald Judd is synonym mei Minimal Art, de beweging fan 'e midden fan' e jierren '60 dy't de rasjonalistyske spanning fan it modernisme destillearre ta essensjele dingen. Foar Judd betsjutte skulptuer it artikulearjen fan de konkrete oanwêzigens fan it wurk yn 'e romte. Dit idee waard beskreaun troch de term, "spesifyk foarwerp,"En wylst oare Minimalists omearme it, Judd nei alle gedachten joech it idee syn suverste útdrukking troch it oannimmen fan it fak as syn hantekening foarm. Lykas Warhol produsearre hy se as werhellende ienheden, mei materialen en metoaden liend út yndustriële fabrikaazje. Oars as Warhol's sopblikken en Marilyns, ferwiisde Judd's keunst nei neat bûten himsels. Syn "stapels", binne ûnder syn bekendste stikken. Elk bestiet út in groep identike ûndjippe doazen makke fan galvanisearre plaatmetaal, dy't út 'e muorre stekt om in kolom te meitsjen fan evenredige eleminten. Mar Judd, dy't begûn as skilder, wie krekt sa ynteressearre yn kleur en tekstuer as hy wie yn foarm, lykas hjir te sjen troch grien-tinted auto-body lak oanbrocht op it foargesicht fan elke doaze. Judd syn ynteraksje fan kleur en materiaal joutUntitled (Stapel)in fêste elegantie dy't har abstrakte absolutisme fersachtet.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Rocor

Lykas Benglis wie Hesse in froulike keunstner dy't it postminimalisme filtere troch in oantoanber feministysk prisma. In joad dy't as bern út Nazi-Dútslân flechte, ferkende se organyske foarmen, makke stikken yn yndustriële glêstried, lateks en tou dy't hûd of fleis, geslachtsdielen en oare dielen fan it lichem oproppe. Sjoen har eftergrûn is it ferleidend om in ûnderstream fan trauma as eangst te finen yn wurken lykas dizze.

Foto: Courtesy The Museum of Modern Art

Nei Judd en Flavin gie in groep artysten fuort fan 'e estetyk fan minimalisme fan skjinne rigels. As ûnderdiel fan dizze Postminimalistyske generaasje, Richard Serra sette it konsept fan it spesifike objekt op steroïden, en fergrutte syn skaal en gewicht, en meitsje de wetten fan swiertekrêft yntegraal mei it idee. Hy makke prekêre balânsaksjes fan stielen of leadplaten en pipen dy't yn 'e tonnen weagje, wat it effekt hie dat it wurk in gefoel fan bedriging joech. (Twa kearen waarden riggers dy't Serra-stikken ynstallearjen fermoarde of ferminske doe't it wurk by ûngelok ynstoarte.) Yn 'e ôfrûne desennia hat Serra's wurk in kromlineêre ferfining oannommen dy't it heul populêr makke hat, mar yn' e iere gong, wurket lykas One Ton Prop (House) of Cards), dy't fjouwer leadplaten oaninoar leine, kommunisearre syn soargen mei brutale direktens.

Foto: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Nei oanlieding fan de algemiene tsjinkulturele trend yn 'e jierren 1960 en 1970, begûnen keunstners yn opstân te kommen tsjin it kommersjalisme fan' e galerywrâld, en ûntwikkelen radikaal nije keunstfoarmen lykas ierdewurk. Ek bekend as lânkeunst, wie de liedende figuer fan it sjenre Robert Smithson (1938-1973), dy't, tegearre mei keunstners lykas Michael Heizer, Walter De Maria en James Turrel, de woastynen fan 'e Westlike Feriene Steaten weage om monumintale wurken te meitsjen dy't hannele yn oerienstimming mei harren omjouwing. Dizze site-spesifike oanpak, sa't it kaam te hjitten, brûkte faak materialen direkt út it lânskip. Dat is it gefal mei Smithson'sSpiral Jetty. Makke fan modder, sâltkristallen en basalt ekstrahearre ter plaatse,Spiral Jetty maatregels1.500 by 15 feet. It waard tsientallen jierren ûnder de mar ûnderdompele oant in droechte yn 'e iere 2000's it wer nei it oerflak brocht. Yn 2017,Spiral Jettywaard neamd it offisjele keunstwurk fan Utah.

Foto: Courtesy CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

It hantekeningwurk fan 'e Frânske keunstner,Spinwaard makke yn 'e midden fan' e jierren '90 doe't Bourgeois (1911-2010) al yn 'e tachtiger wie. It bestiet yn tal fan ferzjes fan wikseljende skaal, ynklusyf guon dy't monumintale.Spinis bedoeld as earbetoan oan 'e mem fan 'e keunstner, in restaurateur fan tapijten (dêrfandinne de oantsjutting op 'e oanstriid fan 'e arachnid om webs te spinnen).

Shutterstock

Winner fan de prestisjeuze Turner Prize yn 1994, Antony Gormley is ien fan 'e meast ferneamde hjoeddeiske byldhouwers yn it Feriene Keninkryk, mar hy is ek bekend oer de hiele wrâld foar syn unike oanpak fan figurative keunst, ien dêr't brede fariaasjes yn skaal en styl binne basearre, foar it grutste part, op deselde sjabloan: In cast fan de keunstner syn eigen lichem. Dat jildt foar dit enoarme fleugelmonumint dat tichtby de stêd Gateshead yn noardeastlik Ingelân leit. Lizzend lâns in grutte autodyk,IngelSoars oant 66 fuotten yn 'e hichte en oerspant 177 fuotten yn' e breedte fan wjukpunt nei wjukpunt. Neffens de Gormley is it wurk bedoeld as in soarte fan symboalyske marker tusken it yndustriële ferline fan Brittanje (it byld leit yn it stienkoallân fan Ingelân, it hert fan 'e Yndustriële Revolúsje) en syn post-yndustriële takomst.

Courtesy CC/Flickr/Richard Howe

Leafdelik neamd "The Bean" troch Chicagoans foar syn bûgde ellipsoïdale foarm,Wolken Gate, Anish Kapoor's iepenbiere keunstsintrum foar Millennium Park fan 'e Twadde Stêd, is sawol keunstwurk as arsjitektuer, en biedt in Instagram-klear bôge foar sneinskrollers en oare besikers fan it park. Makke fan spegelstaal,Wolken GateDe reflektiviteit fan it leuke hûs en de grutskalige makket it it bekendste stik fan Kapoor.

Courtesy de keunstner en Greene Naftali, New York

Rachel Harrison's wurk kombinearret in folslein formalisme mei in oanstriid om skynber abstrakte eleminten mei meardere betsjuttingen, ynklusyf politike, yn te bringen. Se betwifelet fûleindich oan it monumintale en it manlike prerogatyf dat dêrby heart. Harrison makket it grutste part fan har skulptueren troch blokken of platen fan styrofoam op te stapeljen en te regeljen, foardat se se bedekke mei in kombinaasje fan semint en skildereftige bloei. De kers boppe is in soarte fan fûn objekt, itsij allinnich of yn kombinaasje mei oaren. In prima foarbyld is dizze mannequin boppe op in langwerpige, ferve-spatte foarm. It dragen fan in kaap, en in efterút rjochte Abraham Lincoln masker, stjoert it wurk de grutte man teory fan 'e skiednis op mei syn evocation fan' e oerwinner fan 'e Alde Wrâld dy't heech stiet op in clownkleurige rots.